第48节
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文艺复兴时的“艺术三杰”是指谁
16世纪的文艺复兴时期，意大利绘画艺术臻于成熟，其代表画家有被誉为“艺术三杰”的列奥纳多·达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔。
达·芬奇（1452～1519年），全名为列奥那多·迪·塞尔·皮耶罗·达·芬奇，是意大利文艺复兴时期最负盛名的艺术大师。他不但是个大画家，同样还是一位未来学家、建筑师、数学家、音乐家、发明家、解剖学家、雕塑家、物理学家和机械工程师。著名作品有《蒙娜丽莎》、《维特鲁威人》、《莉妲和天鹅》、《受胎告知》、《最后的晚餐》、《圣母子与圣安娜》、《岩间圣母》。
米开朗基罗·博那罗蒂（1475～1564年），意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家和建筑师，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。米开朗基罗创作了著名的《摩西》、《被缚的奴隶》和《垂死的奴隶》。米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。米开朗基罗的艺术不同于达·芬奇的充满科学的精神和哲理的思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。
拉斐尔·桑奇被称为“施治愈之术的光辉使者”。他的作品具有优雅、秀美的风格。他善于把“神”画成具有“人”的形象，他画的圣母就是生活中神态优美、心地善良的普通母亲的形象。他的代表作是壁画《西斯廷圣母》，这幅作品体现了拉斐尔独特的画风和人文主义思想。他的肖像画也有很高成就，特点是形神兼备，气韵盎然，多采用微侧半身姿态，将背景隐去，唯以人物自然亲切的神态突出于画面。代表作为《卡斯蒂廖内像》和《披纱女子像》。
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什么是交响乐
交响乐又称交响曲，源于希腊语“一齐响”，是一种大型器乐曲体裁，是音乐中最大的管弦乐套曲。
文艺复兴时期就有了交响乐这个说法，但当时的含义和现在完全不一样。当时的交响乐泛指的是一切多声部音乐，其中包括声乐和器乐。到了16～17世纪，交响乐被用来称呼歌剧和清唱剧中的序曲和间奏曲，这时声乐已经被排除在了交响乐的概念以外，“交响乐”从此成为了一种纯粹的器乐曲。
18世纪初，序曲和间奏曲开始脱离歌剧在音乐会上单独演奏。这对交响乐的发展起了重要的作用，意大利那不勒斯的作曲家斯卡拉蒂在自己的作品中，为序曲奠定了“快板一慢板一快板（舞曲风格）”这种三段体式，给后来的交响乐的乐章格式建立了最基本的格式。
18世纪下半叶，德国的曼海姆乐派在序曲的创作中开创了主调音乐的手法，提高了乐器的表现能力和音乐的戏剧性，并在三段式序曲的基础上增加了快板的终曲。这样，就形成了四乐章器乐套曲的雏形。后来的三位音乐大师把古典交响乐发展到了最成熟的阶段，他们是海顿、莫扎特和贝多芬。这三位大师把维也纳乐派和古典主义发展到了颠峰的状态，也使得交响乐进入了自己的黄金时期，贝多芬更是把交响乐的内涵和思想性发展到了一个新的境界。现代意义上的交响乐概念就在这个时期形成了。之后欧洲的浪漫主义作曲家们在继承了古典主义的精华后，将交响乐的内容、形、乐队编制，乃至于标题，都进行了不同程度的创新。在这个时期，交响乐的形式更为自由，色彩更加丰富，表现手法也更多种多样。
交响曲的结构一般分四个乐章（也有只用两个乐章或五个乐章以上的），各乐章的特点如下:
第一乐章:奏鸣曲式结构，其音乐特点是快速、活泼，主调具有戏剧性，表现人们的斗争和创造性的活动。它强调不同形象的对比和戏剧性的发展，是全曲的思想核心。乐章前常见概括全曲基本形象的慢速序奏。
第二乐章:曲调缓慢、如歌，是交响曲的抒情
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文艺复兴时的“艺术三杰”是指谁
16世纪的文艺复兴时期，意大利绘画艺术臻于成熟，其代表画家有被誉为“艺术三杰”的列奥纳多·达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔。
达·芬奇（1452～1519年），全名为列奥那多·迪·塞尔·皮耶罗·达·芬奇，是意大利文艺复兴时期最负盛名的艺术大师。他不但是个大画家，同样还是一位未来学家、建筑师、数学家、音乐家、发明家、解剖学家、雕塑家、物理学家和机械工程师。著名作品有《蒙娜丽莎》、《维特鲁威人》、《莉妲和天鹅》、《受胎告知》、《最后的晚餐》、《圣母子与圣安娜》、《岩间圣母》。
米开朗基罗·博那罗蒂（1475～1564年），意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家和建筑师，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。米开朗基罗创作了著名的《摩西》、《被缚的奴隶》和《垂死的奴隶》。米开朗基罗代表了欧洲文艺复兴时期雕塑艺术的最高峰，他创作的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。他的大量作品显示了写实基础上非同寻常的理想加工，成为整个时代的典型象征。他的艺术创作受到很深的人文主义思想和宗教改革运动的影响，常常以现实主义的手法和浪漫主义的幻想，表现当时市民阶层的爱国主义和为自由而斗争的精神面貌。米开朗基罗的艺术不同于达·芬奇的充满科学的精神和哲理的思考，而是在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情。
拉斐尔·桑奇被称为“施治愈之术的光辉使者”。他的作品具有优雅、秀美的风格。他善于把“神”画成具有“人”的形象，他画的圣母就是生活中神态优美、心地善良的普通母亲的形象。他的代表作是壁画《西斯廷圣母》，这幅作品体现了拉斐尔独特的画风和人文主义思想。他的肖像画也有很高成就，特点是形神兼备，气韵盎然，多采用微侧半身姿态，将背景隐去，唯以人物自然亲切的神态突出于画面。代表作为《卡斯蒂廖内像》和《披纱女子像》。
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什么是交响乐
交响乐又称交响曲，源于希腊语“一齐响”，是一种大型器乐曲体裁，是音乐中最大的管弦乐套曲。
文艺复兴时期就有了交响乐这个说法，但当时的含义和现在完全不一样。当时的交响乐泛指的是一切多声部音乐，其中包括声乐和器乐。到了16～17世纪，交响乐被用来称呼歌剧和清唱剧中的序曲和间奏曲，这时声乐已经被排除在了交响乐的概念以外，“交响乐”从此成为了一种纯粹的器乐曲。
18世纪初，序曲和间奏曲开始脱离歌剧在音乐会上单独演奏。这对交响乐的发展起了重要的作用，意大利那不勒斯的作曲家斯卡拉蒂在自己的作品中，为序曲奠定了“快板一慢板一快板（舞曲风格）”这种三段体式，给后来的交响乐的乐章格式建立了最基本的格式。
18世纪下半叶，德国的曼海姆乐派在序曲的创作中开创了主调音乐的手法，提高了乐器的表现能力和音乐的戏剧性，并在三段式序曲的基础上增加了快板的终曲。这样，就形成了四乐章器乐套曲的雏形。后来的三位音乐大师把古典交响乐发展到了最成熟的阶段，他们是海顿、莫扎特和贝多芬。这三位大师把维也纳乐派和古典主义发展到了颠峰的状态，也使得交响乐进入了自己的黄金时期，贝多芬更是把交响乐的内涵和思想性发展到了一个新的境界。现代意义上的交响乐概念就在这个时期形成了。之后欧洲的浪漫主义作曲家们在继承了古典主义的精华后，将交响乐的内容、形、乐队编制，乃至于标题，都进行了不同程度的创新。在这个时期，交响乐的形式更为自由，色彩更加丰富，表现手法也更多种多样。
交响曲的结构一般分四个乐章（也有只用两个乐章或五个乐章以上的），各乐章的特点如下:
第一乐章:奏鸣曲式结构，其音乐特点是快速、活泼，主调具有戏剧性，表现人们的斗争和创造性的活动。它强调不同形象的对比和戏剧性的发展，是全曲的思想核心。乐章前常见概括全曲基本形象的慢速序奏。
第二乐章:曲调缓慢、如歌，是交响曲的抒情
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